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Georgio Morandi. El genio de los bodegones

6 diciembre, 2009

En mi opinión el encanto de las obras de Morandi reside en sus atmósferas silenciosas, aunque a al mismo tiempo intranquilas por esas enormes pinceladas que mueven la densa pasta de sus pinturas; en la gran fuerza que muestran los utensilios representados, que nos muestran su aplomo; en sus grandes planos de silencio, que hacen respirar a cada una de sus obras; y en la forma de construir estructuras y volúmenes con tan pocos colores que casi se pueden contar con los dedos de las manos pero que una vez puestos en el lienzo, la incidencia de la luz nos engaña y nos hace creer que hay muchos más.

(Imágenes recogidas de  otras web)

Giorgio Morandi nació en Bolonia en el año 1890. Es uno de los pintores italianos del siglo XX, siendo, incluso, considerado uno de los más importantes de su país.

En 1907, Morandi comenzó sus clases de Arte en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. Al principio y después de conocer a Boccioni y Carrá se identificó con los futuristas y con el Novecento italiano. En su época de estudiante, Morandi se interesó por la obra de Cézzane, Derain, Rousseau, Picasso y Braque, aunque  no solo quedó fascinado con los autores de su época, investigó a fondo la obra de Giotto, Masaccio y Uccello.

Tras conocer al artista Giorgio de Chirico, su obra fue influenciada por la de este, aunque con el paso de los años fue evolucionando e independizándose, consiguiendo su propio estilo.

Ya desde esta época fue reconocido por su iconografía que trataba de utensilios de la vida cotidiana y casi siempre colocados encima de una mesa, bodegones sencillos como cable conductor de la expresión de la pintura que le llevaron a  recibir premios en la Bienal de Venecia y de Sao Paulo. La obra de Morandi es fiel reflejo de la vida del artista: sencilla, sedentaria y en una atmósfera tranquila y silenciosa.

Giorgio Morandi falleció en 1964, tras una larga enfermedad, en su ciudad Natal.

Juan Enrique Alcalá-Zamora Arroyo.

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Robert Gober. Entre lo real y lo subrreal

14 septiembre, 2009

Robert Gober veía la escultura como su forma de ganarse la vida. Su trabajo se encuentra entre lo real y lo subrreal, realizando instalaciones sobrias, en las que las obras son pilas, lavabos, urinarios, inodoros,… que pierden este significa y se transforman en algo más, en algo que nos recuerda al objeto pero que pierde la identidad de ese objeto.

En muchas ocasiones no transformaba los objetos, sino que los reproducía tal cual eran pero a un tamaño descomunal, como es el caso de la obra del puro gigante.

Robert Gober ha realizado también trabajos dedicados al sueño, representándolos por medio de colchones o en galerías forradas de papel de pared en el que aparecía un hombre durmiendo, una lata de sopa Campbell y una figura humana ahorcándose. Bajo mi punto de vista esto podría representar la necesidad biológica de dormir de una persona, la idea de persona que no abre los ojos para ver el abuso del materialismo y las grandes marcas, y la idea del dormir y no volver a despertar, la muerte.

Gober  trabajó también acerca del sexismo, por medio de objetos hiperreales, improvables y cotidianos. Consistía en piernas que sobresalían de paredes, como si estuvieran atravesándolas, todas a la altura de las rodillas o de las caderas. Más adelante cambió el significado de lo que realmente simulaban ser piernas humanas introduciéndoles velas, cambiando totalmente el significado del cuerpo, convirtiéndolo en candelabro, al mismo tiempo que cambiaba el significado de la obra hacia algo más físico.

(Fotografías tomadas por otras web)

Juan Enrique Alcalá-Zamora Arroyo.


ANA MENDIETA: EXILIADA, POLÉMICA Y ESPIRITUAL, PERO ANTE TODO MUJER.

22 junio, 2009

 

 

Ana Mendieta nace en el año 1948, en la Habana (Cuba). En 1961, Mendieta se exilia con su hermana Raquelin a Estados Unidos, para salir del Régimen del dictador Castro en el que estaba inmerso su país. En EEUU pasó varios años en los que no puso pie en su país de origen, esto causó gran dolor psíquico a la artista, tanto, que en muchas ocasiones se convierte en la temática principal de su obra.

 

Ana Mendieta era una artista polifacética, que tocó distintos campos dentro del mundo del Arte (performances, body art, vídeos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas), pero en cada uno que trabajó dejó su huella personal.

 

Ana Mendieta tuvo una carrera corta, pero sin duda intensa, productiva y en cierta parte, también polémica. 

 

Ana Mendieta empezó su formación académica y artística en la universidad de Iowa, trabajando el expresionismo, pero pronto cambio su forma de trabajar y sus intereses, ingresando en Intermedia Program and Center for New Performing Arts, donde comenzó a practicar la Performance o el Body Art, utilizando su cuerpo como medio o canal para hacer Arte, ambas modalidades muy de moda en los años setenta. 

 

Ana Mendieta fue una de las artistas que más promovió la performance, el Body Art, y también el Land Art (Arte en la tierra, con la tierra, o en la naturaleza).

 

Los temas en los que trabajo a lo largo de su carrera artística fueron el exilio, la naturaleza, lo espiritual, lo femenino. 

 

Ana Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, relaciona lo humano con la naturaleza, de tal manera que casi camufla su cuerpo, como se puede apreciar en su colección Silueta Series. Podemos pensar que incluso asocia la imagen de la naturaleza a lo femenino. 

 

 

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(Ana Mendieta. 1976)

 

 

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(Diosa Viento. Ana Mendieta. 1981)

 

 

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(Flores en el cuerpo. Ana Mendieta. 1976)

 

mendieta oldmans creek 1977(Ana Mendieta. 1977)

 

 

 

La artista destacó también por un tema que expresó de una forma poco convencional: la espiritualidad. Mendieta sentía gran fascinación por la sangre, ya que la veía como algo mágico y poderoso. La sangre simbolizaba para ella el catolicismo en México, a la vez que representaba los rituales mágicos de antiguas civilizaciones.

 

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(Ana Mendieta. 1974)

 

 

 

Una de las temáticas más destacadas de Ana Mendieta fue también su lado feminista, llegando a ser incluso, una mujer adelantada a su época y con una mentalidad mucho más abierta, que refleja en su trabajo. Lo femenino desborda la carrera de Ana Mendieta, ya que relaciona espiritualidad y  naturaleza con lo femenino, y además se inspira en ella misma para reflejar su propia experiencia, tanto de exiliada como de mujer. 

 

Otro tema, muy feminista que trató Mendieta, fue el maltrato a la mujer, por medio de una de sus obras más conocidas, en la que aparece ella misma como si la estuvieran violando. 

 

ana mendieta rapescenes 1973(Ana Mendieta.1973)

 

Ana Mendieta murió en 1985, a los 36 años de edad en New York, al caerse desde la ventana de su apartamento.  

 

Hoy en día es una de las artistas hispanas más reconocidas dentro del Arte Contemporáneo. 

 

LOS CRÍTICOS DE ARTE, ESOS GRANDES PELOTAS

28 enero, 2009

 

Hoy quiero decir que me parece indignante y muy triste que “El Coloso”, esa gran obra pictórica expuesta de manera permanente en el Museo del Prado, hasta ayer con la autoría de Goya, y hoy de uno de sus discípulos, esté sirviendo de diana para lanzar los dardos envenenados de los críticos de Arte, esos que si tu le dices de pintar un cuadro, en su mayoría, no te sabrían pintar nada.

 

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Hasta ayer, este cuadro era un tesoro para los directores del museo, para los críticos, para todo aquel que mínimamente entienda algo de Arte, hoy, el cuadro misteriosamente parece no ser tan perfecto como lo era ayer, he leído en varios medios de comunicación que si tiene desproporciones, que si los colores no son tan buenos como los de Goya, misteriosamente también, hasta el día de ayer el cuadro era perfecto por parecer ser de quien era. ¿Cómo te comes eso?  

 

Señores críticos, el Arte se encuentra por encima de los artistas, el cuadro no puede perder sus virtudes por que no sea de quien era. Esta obra sigue siendo igual de buena que era antes, no ha cambiado, transmite y expresa lo mismo. Y espero que siga justo en el lugar que le corresponde, en ese muro del Museo del Prado,  porque si no sería una gran falta de respeto a tantos grandes artistas no tan reconocidos pero que han realizado grandes trabajos sin saltar a la fama.

 

Señores críticos, una vez más habéis demostrado no tener ni idea de lo que es una buena obra pictórica, habéis demostrado ser unos pelotas que solo saben adorar a los grandes nombres de la pintura.

 

 

Artistas anónimos, “PIMIENTOS y TOMATES” os da su apoyo.

 

 

 

Juan Enrique Alcalá-Zamora Arroyo.

FOTOGRAFÍA.1: NATURALEZA MUERTA/NATURALEZA ETERNA

10 enero, 2009

 

Cuándo hablamos de “NATURALEZA MUERTA” ¿A qué nos referimos? ¿Pensamos  en la muerte o descomposición  a lo procedente  de la naturaleza?, o quizás… ¿en un bodegón?

 

 

“NATURALEZA MUERTA”  es un termino que abarca mucho más que eso, yo lo definiría como “Productos inertes de carácter natural o artificial, que toman el valor de una metáfora, de un recuerdo, de la nostalgia,…”.

 

He oído hablar de que en el Barroco ya se realizaban Naturalezas muertas en el campo de lo pictórico y eran utilizadas como un medio para expresar el paso del tiempo, la vejez, la descomposición, en forma de metáfora que hacía pensar en la muerte del ser humano. 

 

 

Al reflexionar acerca de este término, montones de ideas se me agolparon en la cabeza, por lo que analice cada una de ellas y me quedé con las siguientes para representarlas en el trabajo:

 

 

         “NATURALEZA MUERTA. PUTREFACCIÓN DE LO NATURAL”. Elementos naturales que en algún momento han vivido o se convertirían en algo vivo y que ahora es solo cuestión de tiempo para que acaben descompuestos y podridos, como es el caso de los huevos, la carne o el pescado congelado.

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         “NATURALEZA MUERTA. NATURALEZA ETERNA”. Seres que en algún momento tuvieron vida y que una vez muertos quedan disecados o petrificados para la eternidad, por ejemplo un fósil de caracol, los esqueletos de los erizos de mar y las perlas.

 

 

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         “NATURALEZA MUERTA. EL PASO DE LO NATURAL A LO ARTIFICIAL”. Elementos que en su día fueron naturales acaban transformándose en algo artificial modificado por el ser humano. Es el caso del papel, de las bolsitas de manzanilla y de un perfume.

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          “NATURALEZA MUERTA. METÁFORA DEL RECUERDO”. Elementos artificiales que nos recuerdan al pasado y nos producen nostalgia. Como es el caso de una fotografía.

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En lo referido a mi trabajo, escogí el fondo negro o blanco para resaltar únicamente los elementos que me interesaban. Las fotografías han sido realizadas con luz natural.

 

Juan Enrique Alcalá-Zamora Arroyo.

YVED KLEIN

29 diciembre, 2008

Yves Klein cuestionó la idea básica de lo que es y podría ser el Arte, basándose en una visión obsesiva acerca del vacío, el espacio de la nada y del todo, del infinito. 

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 Relaciona el Arte con el vacío porque piensa que el Arte debe de ser libre, sin reglas, sin condiciones físicas que lo impidan. Representa en un principio este vacío por medio de galerías repletas de obras pictóricas rectangulares o cuadradas que se basaban únicamente en láminas monócromas de colores muy vivos y luminosos, casi fluorescentes. Más adelante y ya rozando lo escultórico, traba este concepto de vacío por medio de la desmaterialización de la obra o por medio de lo inmaterial, como se pudo apreciar en una de sus obras que consistió básicamente en una galería que constaba de varias salas en las cuales el único elemento artístico empleado eran los reflejos de luz que entraban por las ventanas de la galería.

 

Más adelante, evolucionó en su obra, añadiendo un elemento más que también relacionaba con el vacío, por su fácil amoldamiento al espacio, las esponjas marinas teñidas de un azul ultramarino muy potente y llamativo a la vista que él empleaba en la mayoría de sus obras como un color que invitaba a la nada o al todo, al vacío en definitiva. Este color lo conseguía por medio de grandes dosis de óleo azul ultramarino al que una vez aplicado en la obra, procedía a darle calor para que se hiciera más intenso.

 

 

Uno de los trabajos artísticas más importantes de Klein, fueron las antropometrías, ya que era un tipo de Arte en el que no se reflexionaba, solo actuaba la pintura, la piel , la respiración,… encontrando el universo tal cual es. Estas antropometrías las realizaba a partir de cuerpos desnudos de mujeres, del fuego y más adelante por medio de marcas hechas en el lienzo por la naturaleza.

 

(Fotografías recogidas de distintas web)

 

Juan Enrique Alcalá-Zamora Arroyo.

ESCULTURA EN EVOLUCIÓN

1 noviembre, 2008

La escultura, desde sus orígenes ha seguido siempre un canon, unas reglas, unos pasos a seguir, pero la verdad es que siempre era lo mismo, no existía novedad alguna y entró en crisis quedando, bajo mi punto de vista, la mayoría de las veces y en los distintos períodos en segundo plano. Esto seguramente sucedió porque la pintura si que fue desarrollándose y ganándole territorio.

 

 

El arte ha tenido mucho que ver con la cultura, con la sociedad del momento en el que se ha dado, no  ha existido siempre una misma perspectiva o visión del mundo, sino que se ha ido modificando con el tiempo. Pienso que aquí reside el problema con el que la escultura se pegó con un canto en los dientes en un momento determinado, mientras que su compañera la pintura iba evolucionando, cambiando, experimentando, …, ella, la escultura quedó estancada, y llegó el momento en el que la sociedad se convirtió en “moderna” y la escultura en obsoleta.

 

 

Para salir del bache, la escultura tenía que cambiar, no podía seguir con el canon antiguo de una “figurilla” humana, por lo general en lo alto de una peana, y realizada en mármol o madera.

 

 

Estoy de acuerdo con que el Arte debe evolucionar con el paso del tiempo, y pienso que fue muy buena salida la que tuvo la escultura cuando dejo el museo y salio a pasear por las calles, por los jardines, perdiendo su pedestal y apoyándose directamente en el propio suelo, o ¿porqué no?, colgada como si fuera a echar a volar.

 

 

Por fin llegó el día en el que la escultura no era solo esa “figurilla” humana, sino que logró ser el propio espacio, el mismo que nos puede separar a ti y a mi cuando hablamos o nos miramos, por fin la escultura dejo de ser representación de persona perfecta, de no se cuantas cabezas y se dejo llevar, convirtiéndose en lo abstracto, en los sentimientos, en temas novedosos y por fin se convirtió en experimental, nada de mármol y madera con las mismas técnicas de siempre, sería algo curioso de ver en el momento en que sucedió, empleando hierros, plásticos, agua, hielo, movimiento, …

 

 

Una escultura hace grande un espacio abierto, lo enriquece, lo llena de vida y le da un carácter que antes seguramente no tenía. Pienso que algo que el ser humano haya levantado a propósito, aunque fuera un antiguo menhir o por el contrario, una torre de libretas o periódicos viejos al lado del cubo de la basura, ya modifica el espacio, ya hace que centres en ello la mirada, y que te transmita algo. 

 

 

 

Juan Enrique Alcalá-Zamora Arroyo.